LUONNOTAR TAPIOLA SPRING SONG - LISE DAVIDSEN BERGEN PHILHARMONIC ORCHESTRA - Chandos Records
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SIB E L I U S
SUPER AUDIO CD
LUONNOTAR
TAPIOLA
SPRING SONG
RAKASTAVA
SUITE FROM
‘PELLÉAS OCH
MÉLISANDE’
LISE DAVIDSEN
SOPRANO
BERGEN
PHILHARMONIC
ORCHESTRA
EDWARD GARDNERJean Sibelius, 1904
Coloured drawing by Albert Gustaf Aristides Edelfelt (1854 – 1905) /
Lebrecht Music & Arts Photo Library / Bridgeman ImagesJean Sibelius (1865 – 1957)
1 Luonnotar, Op. 70 (1913)* 8:50
(Kalevala)
in F sharp minor • in fis-Moll • en fa dièse mineur
Tone Poem
for Soprano and Orchestra
An Aino Ackté
Tempo moderato – Tranquillo assai – A tempo – Tranquillo assai –
Poco a poco allargando
2 Tapiola, Op. 112 (1926) 18:02
in B minor • in h-Moll • en si mineur
Tone Poem for Large Orchestra
An Walter Damrosch
Largamente – Allegro moderato – Allegro – Allegro moderato –
Allegro – Allegro moderato
3Pelléas och Mélisande, Op. 46 (1904 – 05)* 25:43
(Pelleas and Melisande)
Suite from the Incidental Music to the Play Pelléas et Mélisande (1892)
by Maurice Maeterlinck (1862 – 1949)
Translated into Swedish by Bertel Gripenberg (1878 – 1947)
3 1 Vid slottsporten (At the Castle Gate, Prelude to Act I, Scene 1).
Grave e largamente 2:20
4 2 Mélisande (Prelude to Act I, Scene 2). Andantino con moto 4:09
5 2a På stranden vid hafvet (At the Seashore, Melodrama from Act I,
Scene 4). Adagio – 2:01
6 3 Vid en källa i parken (By a Spring in the Park, Prelude to Act II,
Scene 1). Comodo – Un poco lento 2:13
7 4 De trenne blinda systrar (The Three Blind Sisters, Mélisande’s
Song from Act III, Scene 2). Tranquillo 2:34
8 5 Pastorale (Melodrama from Act III, Scene 4). Andantino pastorale 1:54
9 6 Mélisande vid spinnrocken (Mélisande at the Spinning Wheel,
Prelude to Act III, Scene 1). Con moto 1:49
10 7 Mellanaktsmusik (Entr’acte, Prelude to Act IV, Scene 1). Allegro 2:51
11 8 Mélisandes död (The Death of Mélisande, Prelude to Act V,
Scene 2). Andante – Largamente 5:49
4Rakastava, Op. 14 (1893; reworked 1911 – 12) 11:55
(The Lover)
for String Orchestra with Triangle and Timpani
12 I Rakastava (Den älskande / The Lover). Andante con moto 4:06
13 II Rakastetun tie (Den älskades väg / The Path of His Beloved).
Allegretto 2:17
14 III Hyvää iltaa... Jää hyvästi (God afton... Farväl! / Good Evening!...
Farewell!). Andantino – Doppio più lento –
Vivace – Allargando poco a poco – Lento assai 5:32
15 Vårsång, Op. 16 (1894, revised 1895, 1902) 7:45
(Spring Song)
Tone Poem
Tempo moderato e sostenuto – Largamente –
A tempo (ma poco a poco meno moderato) –
Un poco più lento – A tempo
TT 72:51
Lise Davidsen soprano*
Bergen Philharmonic Orchestra
Melina Mandozzi leader
Edward Gardner
5Sibelius:
Luonnotar, Tapiola, and other works
Rakastava, Op. 14 diminished chords. The text underlying the
Jean Sibelius (1865 – 1957) composed the second movement tells how love transforms
instrumental Suite Rakastava (The Lover) in the Lover’s view of the world and of the
1893, working in parallel on a short cycle of path that his beloved has tread. A softly
four songs for unaccompanied male choir, shivering intermezzo in B flat major forms a
which he published, under the same title, marked contrast to the beginning: the world
as Op. 14, in 1894. He took the texts from the appears as though enfolded in a silvery halo.
Kanteletar, a collection of folk poetry which In the third movement, after exchanges
first appeared in print in 1840, and which is of embraces and kisses, the Lover has to
regarded as the sister epos of the Kalevala. A depart with a heavy heart from his beloved.
version for mixed choir and two soloists was This movement recalls the atmosphere and
published in 1898. However, the composer passionate dreams of the first movement,
was not satisfied and thoroughly reworked and carries clear indications of a dialogue:
the version for string orchestra, publishing the solo violin mourns the departure and
it in its definitive form, also as Op. 14, only in the solo cello responds with long semitonal
1912. In his diary, he wrote: sighs.
There is something of dark soil in this work.
Soil and Finland. Vårsång, Op. 16
The two versions, choral and instrumental, The original title of the early Vårsång (Spring
originate in the same musical material, Song) was ‘Improvisation for Orchestra’.
although the four movements of the choral Under that title the work was finished only
version are compressed into the three a few days before its first performance, at
movements of the version for strings. The a national song festival in Vaasa in 1894,
Kanteletar text of the first song / movement where it was overshadowed by the success
tells of the solitude of the Lover, longing of an orchestral piece by Armas Järnefelt,
for his darling. The D minor melancholy is Sibelius’s brother-in-law. A new version which
occasionally complemented by passionate followed the next year, now under the revised
6title, failed to boost its popularity: Vårsång beginning of his career in the British musical
has neither the strong character of the tone world.
poems inspired by the archaic Kalevala, nor Originally, Maeterlinck’s text had been
an individual Sibelian atmosphere. In 1907, intended for the theatrical stage, but
Gustav Mahler was present when the piece Debussy started setting it as a libretto for
was performed in a concert in Helsinki, and an opera soon after the play was published,
there he received his first impressions of in 1892. The operatic première occurred ten
the music of Sibelius. His reaction in a letter years later, in 1902. This anti-naturalistic text
of November 1907 to Alma Mahler was not also inspired three other major composers:
benign: Fauré, Sibelius, and Schoenberg. Which
The quite usual kitsch, served up qualities made Maeterlinck’s text so attractive
with these peculiar Nordic manners to composers? In a comment which appeared
of harmonisation as national sauce. in The Guardian in April 2008, Tim Ashley wrote:
‘Disgusting stuff!’ Even though he [Maeterlinck] always
presents his audiences with a reasonably
Suite from ‘Pelléas och Mélisande’, Op. 46 clear narrative, he also paradoxically never
In March 1905, Sibelius was supposed to fully spells out the exact nature of the
pay his first visit to England, invited to relationships between his characters:
conduct his own works in Liverpool. Quite Pelléas et Mélisande is essentially a tragedy
unexpectedly, though, he hastened directly of adultery that keeps us curiously in the
to Helsinki from Berlin, where he had been dark about the details of its central sexual
working simultaneously on (rewriting) the entanglement.
Violin Concerto, the Third Symphony, and the The symbolist drama around this love triangle
incidental music to Pelléas och Mélisande. takes place in mediaeval times in a landscape
The first performance of this play by Maurice between the conscious and the subconscious,
Maeterlinck in a Swedish translation by the places and characters identified by curious
composer’s friend the poet Bertel Gripenberg details and names, all of which endows
would take place already on 17 March in the plot with deep symbolic meanings
Helsinki, Sibelius conducting. His début in (the contrast between cave and daylight,
Liverpool was postponed until December the Mélisande’s losing her ring in the fountain,
same year, when it would form the decisive the kingdom of Allemonde, etc.).
7The incidental music originally consisted ‘Mélisande vid spinnrocken’ (Mélisande at of ten numbers for small ensemble, seven the Spinning Wheel), the portrait shows the of which were instrumental interludes, two young woman as more mature and conscious were melodramas, and one was a song. of her fate than in the presentation of the Later Sibelius reorganised the music in eight second movement. A persistent tremolo instrumental movements to form the Suite, in the viola is interrupted by ominous Op. 46 which we know today. The majestic woodwinds. The ‘Mellanaktsmusik’ (Entr’acte) first movement, ‘Vid slottsporten’ (At the is played before the opening of the fourth Castle Gate), is well known to BBC listeners act, in which the climax of the drama is as the signature music for the long-running reached: the killing by Golaud of his brother. popular science / astronomy programme ‘Mélisandes död’ (The Death of Mélisande), The Sky at Night. The music of the second sometimes heard in concerts as an encore, movement, ‘Mélisande’, characterises the shy introduces Scene 2 of the fifth and last act girl: a melancholy melody in the cor anglais. and describes the tender vulnerability of the ‘På stranden vid hafvet’ (At the Seashore) dying young mother. gives us a hint of the airy impressionistic technique that Sibelius would later apply Luonnotar, Op. 70 in The Oceanides. The tranquil surface still It is a well-known fact that Sibelius in his hides a threatening undercurrent. ‘Vid en källa early days was spellbound by Finnish i parken’ (By a Spring in the Park) is the most mythology, most obviously in the Kullervo conventional of the numbers, a delicate waltz. symphony, of 1891 – 92, brutal and bristling The only originally vocal movement, ‘De trenne with masculine power. The work is based on blinda systrar’ (The Three Blind Sisters), sung texts and episodes in the Kalevala, the Finnish in the play by Mélisande, is a modest archaic national epic poem, which was compiled ballad in F minor, with a pedal point on the by Elias Lönnrot (1802 – 1884) who first dominant. The original vocal part is in the published it in written form in 1835, issuing a instrumental version substituted by clarinets. much enlarged version in 1849, and who also, The bucolic ‘Pastorale’ draws us towards in the meantime, in 1840, had published the darker currents in the plot: at this point Golaud Kanteletar. The text of Luonnotar, too, which is starting to suspect an intimate relation he composed twenty years later, in 1913, between his wife and his brother, Pelléas. In Sibelius had found in the Kalevala, from which 8
he prepared a compilation to fit his needs. in G sharp minor, introduces the element of
Luonnotar is not a name of any specific the duck, the theme at the very end gliding
mythological creature, but a generic name back into the home key, F sharp minor. The
for a being of nature. The account of the exposed, virtuoso, partly unaccompanied
creation of the universe from a cosmic egg is vocal writing had been heard already, in
familiar to all anthropologists, as it appears in Sibelius’s song ‘Jubal’, Op. 35 No. 1, from 1908,
many cultures. A scaup is looking for a place but in Luonnotar the range is more daring
to build its nest, and Ilmatar, the maiden of and demanding, the part challenging the
the air, raises her knee to provide a place boundaries of tonality.
of refuge, and there the duck lays its egg. A
storm rises and overturns the nest, pushing Tapiola, Op. 112
it into the water; the egg is crushed and The semi-programmatic symphonic poem, or
from its parts, heaven and earth are created. tone poem, proved to be the genre in which
On this age-old text Sibelius writes one of Sibelius could develop his musical motifs in
his most tonally daring works, demanding a freer form than in the symphony. In a letter
simultaneously both dramatic vocal power to his wife after his visit to Bayreuth in 1894
and sensitive harmonic ears. Luonnotar was he wrote:
premièred at the Three Choirs Festival, in In fact, I think I am a tone painter and poet. I
Gloucester, in 1913 by Aino Ackté, the Finnish mean that the Liszt idea of music is the one
prima donna from the Paris Opéra and Covent closest to me.
Garden, who also had commissioned the On a practical level, this reference to Liszt
work. Written in free sonata form, Luonnotar meant cyclic forms as well as thematic
starts from an ancient-sounding rune- transformation, both of which had an impact
like motif in F sharp minor, which is soon on Sibelius’s writing. A long series of tone
expanded, developing into a second theme, a poems saw the light of day, many of them
plaintive lament in B flat minor, a third-related based on mythological themes, either
key (B flat = A sharp). This ascending melody, from the Kalevala (the Lemminkäinen suite,
characterised by sighing seconds above an Pohjola’s Daughter, or Luonnotar) or from
undulating bitonal bass, distantly reminds us more general sources (En saga, Pan och
of Carmen’s fateful Card Aria, in Bizet’s opera. Echo, Dryaden, Barden, The Oceanides). The
In the recapitulation the second theme, now title of Tapiola, Sibelius’s last masterpiece,
9from 1926, does not derive from any figure in varied, and recycled. We hear this Ur-motif,
the Kalevala, but from Tapio, the king of the a simple B minor fragment, in the strings
forest. Above the score Sibelius published the in the opening bars, and later, fortissimo,
following verses: in trumpets and trombones. Meanwhile, it
Wide-spread they stand, the Northland’s is subject to constant variation: different
dusky forests, instrumental combinations, dark and light
Ancient, mysterious, brooding savage orchestral colours, different harmonic dress,
dreams; minor and major versions, and different
Within them dwells the Forest’s mighty God rhythmic disguises, compressed and
And wood-sprites in the gloom weave magic augmented. In this way, the conventional
secrets. sonata form, which is characterised by
Sibelius had conducted the premières of a main theme and a contrasting second
all his symphonies himself and was used to theme, is replaced by a continual rotation of
making corrections in the score, based on thematic ideas. The score requires a large
the experiences of the first performance. In orchestra, including piccolo, cor anglais, bass
the case of Tapiola, this was not possible, as clarinet, and contrabassoon, but exclusively
the orchestral piece was a commission from timpani in the percussion section. The alert
Walter Damrosch and was printed before the listener will take pleasure in experiencing the
première, which Damrosch conducted at the immensely resourceful metamorphosis of the
New York Symphonic Society on 26 December germ, which gives the tone poem a unique
1926. Sibelius did not cross the Atlantic sense of homogeneity. The general majestic
Ocean to attend the rehearsals and had to atmosphere of the key of B minor culminates
send the score without being able to test the in a dignified final chord of B major, in a
result in advance. wonder of balanced orchestration.
In Tapiola, his forest narrative, Sibelius
© 2021 Gustav Djupsjöbacka
realised his transformational technique
most consistently. The secret life of the
forest is depicted in its desolate and dark Since winning Plácido Domingo’s Operalia
moments, in its sudden storms and its playful and the Queen Sonja International Music
breezes. Out of a single thematic germ grows Competition in 2015, the Norwegian soprano
a multitude of motifs which are repeated, Lise Davidsen has taken the classical music
10world by storm, making resounding débuts Vasily Petrenko, Danish National Symphony
in venues such as The Metropolitan Opera, Orchestra under Fabio Luisi, Antwerp
New York, The Royal Opera, Covent Garden, Symphony Orchestra under Edo de Waart,
Bayreuther Festspiele, Festival d’Aix-en- and Toronto Symphony Orchestra under
Provence, Glyndebourne Festival Opera, Sir Andrew Davis. Lise Davidsen was Artist
Bayerische Staatsoper, Wiener Staatsoper, in Residence with the Bergen Philharmonic
Opernhaus Zürich, Wigmore Hall, Barbican, Orchestra during the 2017 / 18 season and
and BBC Proms. During the 2020 / 21 season was named Young Artist of the Year at the
she made her role début as Sieglinde Gramophone Awards 2018.
(Die Walküre) at Deutsche Oper Berlin and
Opéra de Paris, in the title role in Jenůfa at the One of the world’s oldest orchestras, the
Concertgebouw, Amsterdam, and as Amelia Bergen Philharmonic Orchestra dates
(Un ballo in maschera) at Den Norske Opera, back to 1765 and celebrated its 250th
Oslo, and made notable recital appearances at anniversary in 2015. Edvard Grieg had a close
Konzerthaus Dortmund and Palau de les Arts relationship with the Orchestra, serving as
Reina Sofía, Valencia with James Baillieu and its artistic director during the years 1880 – 82.
throughout Norway with Leif Ove Andsnes. Numbering one-hundred-and-one musicians,
In recent years she has also sung Leonore the Orchestra has achieved the status of a
(Fidelio), Agathe (Der Freischütz), Isabella Norwegian National Orchestra. Edward Gardner
(Das Liebesverbot), Elisabeth (Tannhäuser), has been Chief Conductor since 2015 and has
Liza (The Queen of Spades), Santuzza (Cavalleria taken the Orchestra on multiple international
rusticana), and the title role in Ariadne auf Naxos, tours. These have included appearances at
and appeared at Staatsoper Stuttgart, Opéra the Concertgebouw, Amsterdam, Edinburgh
de Montréal, Teatro Colón, Buenos Aires, and International Festival, Southbank Centre,
Wexford Festival Opera. In the concert hall and BBC Proms. Previous international tours
she has performed with the Philharmonia have included performances at the Wiener
Orchestra under Esa-Pekka Salonen and Musikverein and Konzerthaus, Carnegie Hall,
Edward Gardner, London Philharmonic New York, and Berliner Philharmonie.
Orchestra under Andrés Orozco-Estrada, In 2015 the Orchestra established its free
Wiener Symphoniker under Gianandrea streaming platform, Bergenphilive, which
Noseda, Oslo Philharmonic Orchestra under offers a fine selection of live streams and
11works performed by the Orchestra and a range recording of orchestral realisations by Luciano of conductors and soloists. A youth symphony Berio. A critically acclaimed series devoted orchestra, Bergen Philharmonic Youth to orchestral works by Janáček, including a Orchestra, was also established in 2015, which Grammy-nominated recording of his Glagolitic gives four to six concerts per year. Mass, has been completed, and Schoenberg’s The Orchestra has an active recording Gurre-Lieder was released in 2016. 2017 saw schedule, at the moment releasing four CDs the release of a CD of orchestral songs by every year. Critics worldwide applaud its Sibelius, with Gerald Finley as soloist, and a energetic playing style and full-bodied string disc of orchestral works by Bartók, including sound. Recording projects include Messiaen’s the Concerto for Orchestra. Recordings of the Turangalîla-Symphonie, ballets by Stravinsky, Piano Concerto and incidental music from the symphonies, ballet suites, and concertos Peer Gynt by Grieg as well as the Grande by Prokofiev, and the complete orchestral Messe des morts by Berlioz appeared in 2018. music of Edvard Grieg. Enjoying long-standing The latest releases by the Bergen Philharmonic artistic partnerships with some of the finest Orchestra have been recordings of Bartók’s musicians in the world, the Orchestra has Bluebeard’s Castle with John Relyea and recorded with Leif Ove Andsnes, Jean-Efflam Michelle DeYoung, Brahms’s Symphonies Bavouzet, James Ehnes, Gerald Finley, Alban Nos 1 and 3, Schoenberg’s Pelleas und Gerhardt, Vadim Gluzman, Stephen Hough, Melisande and Erwartung with Sara Jakubiak, Sara Jakubiak, Freddy Kempf, Truls Mørk, and Britten’s Peter Grimes with, among others, Steven Osborne, Lawrence Power, and Stuart Stuart Skelton and Erin Wall. The Orchestra Skelton, among others. received a nomination for Orchestra of the The Orchestra has recorded Tchaikovsky’s Year at the Gramophone Awards 2020. ballets and critically acclaimed series of works www.harmonien.no / www.bergenphilive.no by Johan Halvorsen and Johan Svendsen with Neeme Järvi, orchestral works by Rimsky- Chief Conductor of the Bergen Philharmonic Korsakov with Dmitri Kitayenko, and music Orchestra since October 2015, Edward by Berlioz, Delius, Elgar, Sibelius, and Vaughan Gardner OBE has led the musicians on Williams with Sir Andrew Davis. multiple international tours, which have The first collaboration on disc between included performances in Berlin, Munich, Edward Gardner and the Orchestra was a and Amsterdam, and at the BBC Proms and 12
Edinburgh International Festival. He was Deutsches Symphonie-Orchester Berlin when
recently appointed Principal Conductor the COVID-19 crisis struck. He will continue
Designate of the London Philharmonic his longstanding collaboration with the City
Orchestra, his tenure commencing in of Birmingham Symphony Orchestra, of which
September 2021. In demand as a guest he was Principal Guest Conductor from 2010
conductor, during the previous two seasons to 2016, and BBC Symphony Orchestra, whom
he made his début with the New York he has conducted at both the First and the
Philharmonic, Chicago Symphony Orchestra, Last Night of the BBC Proms.
Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, and Music Director of English National Opera
Wiener Symphoniker, as well as at The Royal for ten years (2006 – 15), Edward Gardner
Opera, Covent Garden in a new production of has an ongoing relationship with The
Kát’a Kabanová, praised by The Guardian as Metropolitan Opera, New York, where he
a ‘magnificent interpretation’. He returned has conducted productions of Carmen, Don
to the Gewandhausorchester Leipzig, Giovanni, Der Rosenkavalier, and Werther.
Philharmonia Orchestra, and Orchestra del He has also conducted at Teatro alla Scala,
Teatro alla Scala di Milano. In April 2019, Milan, Lyric Opera of Chicago, Glyndebourne
he conducted the London Philharmonic Festival Opera, and Opéra national de Paris.
Orchestra at the Lincoln Center in New York. A passionate supporter of young talent, he
During the 2019 / 20 season he conducted founded the Hallé Youth Orchestra in 2002
a revival of Werther at The Royal Opera and regularly conducts the National Youth
and returned to The Metropolitan Opera for Orchestra of Great Britain. He has a close
performances of La Damnation de Faust. In relationship with The Juilliard School, and
London he conducted four concerts with the with the Royal Academy of Music which
London Philharmonic Orchestra and brought appointed him its inaugural Sir Charles
the Bergen Philharmonic Orchestra to the Mackerras Conducting Chair in 2014. He is an
Royal Festival Hall with their acclaimed Peter exclusive Chandos artist, whose recording
Grimes. As guest conductor, he appeared projects with the Bergen Philharmonic
with the Philadelphia Orchestra, Montreal Orchestra have explored music by Bartók,
Symphony Orchestra, and Finnish Radio Berio, Berlioz, Brahms, Britten, Grieg, Janáček,
Symphony Orchestra, and was due to work Schoenberg, and Sibelius. With the BBC
with the San Francisco Symphony and Symphony Orchestra he has focused on Elgar
13and Walton and released acclaimed discs Assistant Conductor of The Hallé and Music of works by Lutosławski and Szymanowski. Director of Glyndebourne Touring Opera. With the City of Birmingham Symphony Among many accolades, Edward Gardner was Orchestra he has recorded numerous works named Conductor of the Year by the Royal by Mendelssohn, including the symphonies Philharmonic Society in 2008, won an Olivier and overtures. Award for Outstanding Achievement in Opera Born in Gloucester in 1974, he was in 2009, and received an OBE for Services educated at Cambridge and the Royal to Music in the Queen’s Birthday Honours in Academy of Music. He went on to become 2012. 14
Ray Burmiston / Decca Classics
15
Lise DavidsenSibelius:
Luonnotar, Tapiola und andere Werke
Rakastava op. 14 erzählt von der Einsamkeit des Liebenden,
Jean Sibelius (1865 – 1957) schrieb die der sich nach der Geliebten sehnt. Die
Instrumentalsuite Rakastava (Der Liebende) d-Moll-Melancholie wird mitunter durch
im Jahr 1893, während er gleichzeitig mit leidenschaftliche verminderte Akkorde
der Arbeit an einem kurzen Zyklus von ergänzt. Der Text, der dem zweiten Satz
vier Liedern für Männerchor a cappella zugrunde liegt, spricht von der Verwandlung,
beschäftigt war, den er 1894 unter dem welche der Blick des Liebenden bezüglich
gleichen Namen als Opus 14 veröffentlichte. der Welt und des Wegs, den die Geliebte
Die Texte entnahm er der Kanteletar, wandelte, durch die Liebe erfährt. Ein sanft
einer Sammlung von Volksgedichten, die zitterndes Intermezzo in B-Dur stellt einen
1840 zuerst im Druck erschien und als deutlichen Kontrast zum Anfang dar: Es
Schwestern-Epos zur Kalevala gilt. Eine scheint, als sei die Welt in einen silbrigen
Fassung für gemischten Chor und zwei Glorienschein gehüllt. Im dritten Satz
Solisten erschien 1898. Der Komponist war muss der Liebende nach Umarmungen und
jedoch nicht zufrieden und arbeitete die Küssen schweren Herzens von der Geliebten
Fassung für Streichorchester gründlich um. Abschied nehmen. Dieser Satz erinnert an
Diese veröffentlichte er dann erst 1912 in ihrer die Atmosphäre und die leidenschaftlichen
endgültigen Form, wiederum als Opus 14. In Träume des ersten Satzes und trägt deutliche
seinem Tagebuch schrieb er: Merkmale eines Dialogs: Die Solo-Violine
Es gibt etwas von dunkler Erde in diesem beweint den Abschied, und das Solo-Cello
Stück. Erde und Finnland. antwortet mit langen Halbton-Seufzern.
Beide Versionen, sowohl die Chor- als auch
die Instrumentalfassung, entspringen dem Vårsång op. 16
gleichen musikalischen Material, obwohl die Der Originaltitel der frühen Komposition
vier Sätze der Chorfassung in der Version Vårsång (Frühlingslied) lautete “Improvisation
für Streicher zu dreien komprimiert werden. für Orchester”. Unter diesem Titel wurde das
Der Kanteletar-Text des ersten Lieds / Satzes Werk erst ein paar Tage vor seiner Uraufführung
16beim nationalen Lied-Festival von Vaasa im des Violinkonzerts, der Dritten Sinfonie und
Jahr 1894 fertiggestellt, wo es vom Erfolg eines der Bühnenmusik zu Pelléas och Mélisande
Orchesterstücks von Armas Järnefelt, Sibelius’ gearbeitet hatte, direkt nach Helsinki. Die
Schwager, in den Schatten gestellt wurde. Erstaufführung dieses Theaterstücks von
Auch eine neue Fassung, die – jetzt unter dem Maurice Maeterlinck in der schwedischen
neuen Titel – im nächsten Jahr folgte, konnte Übersetzung durch den Dichter und
die Beliebtheit des Stücks nicht erhöhen: Freund des Komponisten Bertel Gripenberg
Vårsång besitzt weder den ausgeprägten sollte bereits am 17. März mit Sibelius am
Charakter der durch die archaische Kalevala Dirigentenpult stattfinden. Sein Liverpooler
inspirierten Sinfonischen Dichtungen, noch die Debüt wurde auf den Dezember des gleichen
für Sibelius typische individuelle Atmosphäre. Jahres verschoben, und es sollte zum
Bei einer Aufführung des Werks im Rahmen maßgeblichen Beginn seiner Laufbahn in der
eines Konzerts in Helsinki im Jahr 1907 war britischen Musikwelt werden.
Gustav Mahler anwesend und erhielt dabei Ursprünglich war Maeterlincks Text für die
einen ersten Eindruck von Sibelius’ Musik. Theaterbühne vorgesehen gewesen, doch
Seine Reaktion in einem Brief an Alma Mahler Debussy begann schon kurz nachdem das
vom November 1907 fiel nicht wohlwollend aus, Theaterstück 1892 erschienen war damit, es
und er beschrieb das Stück als als Libretto zu vertonen. Die Opernpremière
ganz gewöhnlichen Kitsch durch fand zehn Jahre später im Jahr 1902 statt.
diese gewissen “nordischen” Der anti-naturalistische Text inspirierte auch
Harmonisationsmanieren als nationale drei weitere wichtige Komponisten, nämlich
Sauce angerichtet. “Pui Kaiki!” [= Pfui Fauré, Sibelius und Schönberg. Welche
Teufel! – ein Ausdruck ihrer Tochter Anna Eigenschaften waren es, die Maeterlincks
Justine] Text für Komponisten so attraktiv machten?
In einem Kommentar, der im April 2008 in
Suite aus “Pelléas och Mélisande” op. 46 der britischen Tageszeitung The Guardian
Im März 1905 sollte Sibelius, einer Einladung erschien, schrieb Tim Ashley:
nach Liverpool zum Dirigat seiner eigenen Obwohl er [Maeterlinck] seinem Publikum
Werke folgend, erstmalig England besuchen. immer eine einigermaßen klare Geschichte
Gänzlich unerwartet eilte er jedoch von liefert, erklärt er paradoxerweise nie ganz
Berlin, wo er gleichzeitig an der Umarbeitung und gar die Verhältnisse zwischen seinen
17Figuren: Pelléas et Mélisande ist im Grunde impressionistische Technik an, die Sibelius
eine Tragödie über Ehebruch, die uns, später für Die Okeaniden einsetzen sollte.
was die Details der zentralen sexuellen Die ruhige Oberfläche verbirgt dennoch eine
Verstrickungen angeht, eigentümlich im gefährliche Strömung. Bei “Vid en källa i
Dunkeln lässt. parken” (An einer Quelle im Park) handelt es
Das symbolistische Drama um diese sich um den konventionellsten der Sätze,
Dreiecksbeziehung spielt in mittelalterlichen einen zarten Walzer. Der einzige im Original
Zeiten in einer Landschaft zwischen mit Gesang konzipierte Satz, “De trenne
Bewusstsein und Unterbewusstsein, wo die blinda systrar” (Die drei blinden Schwestern),
Orte und Personen durch seltsame Details und im Bühnenstück von Mélisande gesungen,
Namen identifiziert werden, und all dies verleiht ist eine schlichte archaische Ballade in f-Moll
der Handlung tiefe symbolische Bedeutungen mit einem Orgelpunkt auf der Dominante.
(der Kontrast zwischen Höhle und Tageslicht, Der ursprüngliche Vokal-Part wird in der
Mélisande, die ihren Ring im Brunnen verliert, Instrumentalfassung durch Klarinetten
das Königreich Allemonde usw.). ersetzt. Die rustikale “Pastorale” führt in
Die Bühnenmusik bestand ursprünglich dunklere Gefilde der Handlung: Golaud
aus zehn Nummern für kleines Ensemble – beginnt jetzt, ein intimes Verhältnis zwischen
sieben instrumentale Zwischenspiele, zwei seiner Ehefrau und seinem Bruder Pelléas
Melodramen und ein Lied. Sibelius gestaltete zu vermuten. “Mélisande vid spinnrocken”
die Musik später in acht Instrumentalsätze (Mélisande am Spinnrad) porträtiert die junge
um, welche die uns heute bekannte Suite Frau reifer und ihres Schicksals bewusster
op. 46 bilden. Der majestätische erste als in der Darstellung des zweiten Satzes. Ein
Satz “Vid slottsporten” (Am Schlosstor) hartnäckiges Tremolo in der Bratsche wird
ist Zuschauern der BBC als Titelmusik der von unheilvollen Holzbläsern unterbrochen.
langjährigen beliebten wissenschaftlich- Die “Mellanaktsmusik” (Zwischenaktsmusik)
astronomischen Sendung The Sky at Night erklingt vor Beginn des vierten Akts, in
bekannt. Die Musik des zweiten Satzes, welchem der Höhepunkt des Dramas erreicht
“Mélisande”, charakterisiert das scheue wird: der Mord Golauds an seinem Bruder.
Mädchen mit einer melancholischen “Mélisandes död” (Mélisandes Tod), das
Melodie im Englischhorn. “På stranden manchmal bei Konzerten als Zugabe zu
vid hafvet” (Am Strand) deutet die luftige hören ist, führt die zweite Szene des fünften
18und letzten Akts ein und beschreibt die Ein Entenvogel sucht nach einem Ort zum
empfindliche Verletzlichkeit der sterbenden Nestbau; Ilmatar, die Jungfrau der Lüfte,
jungen Mutter. hebt ein Knie, um einen Zufluchtsort zu
bieten, und dort legt die Ente ihr Ei. Ein
Luonnotar op. 70 Sturm kommt auf, wirft das Nest um und
Es ist allgemein bekannt, dass Sibelius in stößt es ins Wasser; das Ei zerbricht,
seiner frühen Schaffenszeit im Bann der und aus seinen Anteilen werden Himmel
finnischen Mythologie stand, was sich am und Erde geschaffen. Auf diesen uralten
deutlichsten in seiner schonungslosen Text schreibt Sibelius eines seiner tonal
und von männlicher Kraft strotzenden gewagtesten Werke, das gleichzeitig sowohl
Kullervo-Sinfonie aus den Jahren 1891 / 92 dramatische Stimmgewalt als auch ein
niederschlägt. Das Werk basiert auf feines harmonisches Ohr verlangt. Luonnotar
Texten und Episoden aus der Kalevala, dem wurde 1913 beim Three Choirs Festival in
finnischen National-Epos, welches von Elias Gloucester durch die finnische Primadonna
Lönnrot (1802 – 1884) zusammengetragen Aino Ackté, die an der Pariser Opéra und am
und 1835 zum ersten Mal in Schriftform Covent Garden engagiert war und das Werk
veröffentlicht wurde. 1849 gab Lönnrot auch in Auftrag gegeben hatte, uraufgeführt.
eine stark erweiterte Fassung heraus, In freier Sonatenhauptsatzform angelegt,
und in der Zwischenzeit hatte er 1840 die beginnt Luonnotar mit einem altertümlich
Kanteletar veröffentlicht. Auch den Text klingenden, an eine Rune erinnernden Motiv
zu Luonnotar, das er 1913, also zwanzig in fis-Moll, das bald erweitert wird und
Jahre später komponierte, hatte Sibelius sich zu einem zweiten Thema entwickelt,
in der Kalevala gefunden, aus der er eine einer schwermütigen Klage in b-Moll, einer
seinen Anforderungen entsprechende terz-verwandten Tonart (B = Ais). Diese
Auswahl erstellt hatte. Luonnotar ist kein aufsteigende Melodie, die von seufzenden
Name einer spezifischen mythologischen Sekunden über einem wogenden, bi-tonalen
Kreatur, sondern ein Gattungsname für Bass charakterisiert wird, erinnert entfernt
ein Naturwesen. Die Beschreibung der an Carmens schicksalshafte Karten-Arie in
Erschaffung des Universums aus einem Bizets gleichnamiger Oper. In der Reprise
kosmischen Ei ist allen Anthropologen führt das zweite Thema – jetzt in gis-Moll –
bekannt, da sie in vielen Kulturen vorkommt. das Element der Ente ein, wobei das Thema
19ganz zum Schluss in die Grundtonart fis-Moll aus allgemeineren Quellen (En saga, Pan och
zurück gleitet. Diese exponierte, virtuose, Echo, Dryaden, Barden, Die Okeaniden). Der
teilweise unbegleitete Art der Vokalmusik war Titel von Tapiola, seinem letzten Meisterwerk
bereits in Sibelius’ 1908 entstandenem Lied aus dem Jahr 1926, leitet sich von keiner Figur
“Jubal” op. 35 Nr. 1 zu hören gewesen, doch in der Kalevala ab, sondern von Tapio, dem König
Luonnotar ist der Umfang noch gewagter und des Waldes. Am Beginn der Partitur notierte
anspruchsvoller, und der Part stößt an die Sibelius die folgenden Verse:
Grenzen der Tonalität. Weit verbreitet stehen sie, die dämmerigen
Wälder des Nordlands,
Tapiola op. 112 Uralt, geheimnisvoll, in wilden Träumen
Die halb-programmatische Sinfonische grübelnd;
Dichtung oder Tondichtung sollte zu In ihnen wohnt des Waldes mächtiger Gott
jenem Genre werden, in dem Sibelius seine Und im Dunkel ersinnen Waldgeister
musikalischen Motive in freierer Form magische Geheimnisse.
entwickeln konnte als in der Sinfonie. In Sibelius hatte die Uraufführungen
einem Brief an seine Frau nach einem Besuch all seiner Sinfonien dirigiert und war es
in Bayreuth schrieb er: gewohnt, auf Basis der Erfahrungen der
Tatsächlich glaube ich, dass ich ein ersten Aufführung Korrekturen an der Partitur
Tonmaler und Poet bin. Ich meine, dass vorzunehmen. Im Fall von Tapiola war dies
Liszts Vorstellung von Musik mir am nicht möglich, da das Orchesterstück ein
nächsten ist. Auftragswerk für Walter Damrosch war
Auf praktischer Ebene bedeutete diese und vor der Uraufführung, die Damrosch
Bezugnahme auf Liszt zyklische Formen am 26. Dezember 1926 an der New York
sowie thematische Transformation, beides Symphonic Society dirigierte, gedruckt
Techniken, die Sibelius’ Kompositionsstil worden war. Sibelius überquerte nicht
beeinflussten. Eine lange Reihe von den Atlantischen Ozean, um den Proben
Sinfonischen Dichtungen erblickte das Licht beizuwohnen, und musste die Partitur
der Welt, und viele von diesen basierten schicken, ohne das Ergebnis im Voraus
auf mythologischen Themen, entweder überprüfen zu können.
aus der Kalevala (die Lemminkäinen-Suite, In Tapiola, seiner Walderzählung,
Tochter des Nordens oder Luonnotar) oder realisierte Sibelius seine Technik der
20Transformation am konsequentesten. Das Sonatenhauptsatzform, die von einem
geheime Leben des Waldes wird in seinen Hauptthema sowie einem kontrastierenden
einsamen und dunklen Momenten dargestellt, zweiten Thema charakterisiert wird, von
in seinen plötzlichen Stürmen und seinen einer beständigen Rotation thematischer
ausgelassenen Lüften. Aus einer einzelnen Ideen ersetzt. Die Partitur verlangt eine große
thematischen Keimzelle entwächst eine Orchesterbesetzung mit Piccolo, Englischhorn,
Vielzahl von Motiven, die wiederholt, variiert Bass-Klarinette und Kontrafagott, doch in der
und wiederverwertet werden. Dieses Perkussionsgruppe ausschließlich Pauken.
Ur-Motiv – ein einfaches h-Moll-Fragment – Beim aufmerksamen Zuhören wird man
ist in den Anfangstakten in den Streichern es genießen, die ungeheuer einfallsreiche
und später fortissimo in den Trompeten und Metamorphose der Keimzelle zu erleben, was
Posaunen zu hören. In der Zwischenzeit der Sinfonischen Dichtung ein einzigartiges
wird es ständiger Veränderung unterzogen: Gefühl von Homogenität verleiht. Die
verschiedene Instrumentenkombinationen, allgemeine majestätische Atmosphäre der
dunkle und helle Orchesterfarben, Tonart h-Moll gipfelt in einem würdevollen
unterschiedliche harmonische Aufmachung, H-Dur-Schlussakkord, einem Wunderwerk
Dur- und Moll-Versionen und verschiedene ausgewogener Orchestrierung.
rhythmische Verkleidungen, sowohl
komprimiert als auch erweitert. Auf © 2021 Gustav Djupsjöbacka
diese Art und Weise wird die traditionelle Übersetzung: Bettina Reinke-Welsh
21© Benjamin Ealovega Photography
Edward GardnerSibelius:
Luonnotar, Tapiola et autres œuvres
Rakastava, op. 14 relate la solitude de l’Amant se languissant
Jean Sibelius (1865 – 1957) composa la suite de sa bien-aimée. Des accords diminués,
instrumentale Rakastava (L’Amant), en 1893, pleins de passion, viennent à l’occasion
travaillant parallèlement à un court cycle compléter la mélancolie exprimée par le
de quatre mélodies pour chœur d’hommes ré mineur. Le texte sur lequel est fondé le
sans accompagnement, qu’il fit paraître deuxième mouvement raconte la façon dont
sous le même titre, en tant qu’op. 14, en l’amour transforme la vision du monde chez
1894. Il en avait puisé les textes dans la l’Amant, et retrace le chemin suivi par sa
Kanteletar, recueil de poésie traditionnelle bien-aimée. Animé d’un doux frémissement,
qui fut publié pour la première fois en 1840 un intermezzo en si bémol majeur vient
et que l’on considère comme l’épopée sœur apporter un contraste marqué avec le début:
du Kalevala. Une version pour chœur mixte et le monde y apparaît comme enveloppé d’un
deux solistes fut publiée en 1898. Néanmoins halo argenté. Dans le troisième mouvement,
le compositeur, peu satisfait, remania après avoir échangé étreintes et baisers
en profondeur la version pour orchestre avec sa bien-aimée, l’Amant, le cœur gros,
à cordes, ne la publiant sous sa forme doit la quitter. Ce mouvement, qui rappelle
définitive qu’en 1912, aussi en tant qu’op. 14. Il l’atmosphère et les rêves passionnés du
écrivit dans son journal: premier mouvement, présente clairement
Il y a dans cette œuvre le noir de la terre. La les indices d’un dialogue: le violon soliste se
terre et la Finlande. désole de ce départ tandis que le violoncelle
Les deux versions, chorale et instrumentale, soliste lui répond par de longs soupirs en
ont pour origine le même matériau musical, demi-tons.
quoique les quatre mouvements de la
version chorale se trouvent condensés Vårsång, op. 16
pour former les trois mouvements de la Le titre donné au précoce Vårsång (Chant de
version pour cordes. Le texte du premier printemps) était à l’origine “Improvisation
chant / mouvement emprunté à la Kanteletar pour orchestre”. C’est sous ce titre que
23l’œuvre fut achevée seulement quelques simultanément sur la réécriture du Concerto
jours avant sa première exécution, qui pour violon, la Troisième Symphonie et la
fut donnée en 1894, à Vaasa, au cours musique de scène de Pelléas och Mélisande.
d’un Festival national de chant où la pièce La première de la pièce de Maurice
fut éclipsée par le succès d’une œuvre Maeterlinck, donnée dans une traduction
orchestrale écrite par Armas Järnefelt, suédoise du poète Bertel Gripenberg, ami
le beau-frère de Sibelius. Une nouvelle du compositeur, devait en effet avoir lieu à
version, présentée l’année suivante sous le Helsinki, dès le 17 mars, avec Sibelius à la tête
titre remanié, ne parvint pas à accroître sa de l’orchestre. Ses débuts à Liverpool furent
popularité: Vårsång ne bénéficie ni de la forte remis au mois de décembre de la même
individualité des poèmes symphoniques année, se révélant alors un coup d’envoi
inspirés par l’archaïque Kalevala, ni d’une décisif pour sa carrière au sein du monde
atmosphère sibélienne propre. Gustav Mahler musical britannique.
était présent lorsque la pièce fut jouée À l’origine le texte de Maeterlinck avait
en concert à Helsinki, en 1907, et ce fut là été écrit pour la scène de théâtre, mais
qu’il reçut ses premières impressions de la Debussy s’était mis à l’adapter en livret
musique de Sibelius. Sa réaction fut sans d’opéra, peu après la parution de la pièce, en
indulgence, comme en témoigne une lettre 1892. La première de l’opéra eut lieu dix ans
adressée à Alma Mahler, en novembre 1907: plus tard, en 1902. Ce texte anti-naturaliste
Le kitsch habituel, servi avec cette espèce a aussi inspiré trois autres très grands
d’harmonisation nordique bizarre en compositeurs: Fauré, Sibelius et Schoenberg.
guise de sauce nationale. “Pouah! Quelle Quelles qualités avaient pu rendre le texte
horreur!” de Maeterlinck si séduisant aux yeux des
compositeurs? Dans un commentaire paru
Suite tirée de “Pelléas och Mélisande”, op. 46 dans The Guardian, en avril 2008, Tim Ashley
En mars 1905, Sibelius était censé effectuer écrit:
sa première visite en Angleterre, ayant Même s’il [Maeterlinck] présente toujours
été invité à diriger ses propres œuvres à à son auditoire une histoire relativement
Liverpool. Cependant, contre toute attente, claire, paradoxalement, il n’explique en
il prit directement le chemin d’Helsinki même temps jamais pleinement la nature
lorsqu’il quitta Berlin, où il avait travaillé exacte des liens entre ses personnages:
24Pelléas et Mélisande est essentiellement la timide jeune femme: c’est une mélodie
une tragédie de l’adultère qui, mélancolique confiée au cor anglais.
curieusement, nous laisse dans l’ignorance “På stranden vid hafvet” (Au bord de la
des détails de la liaison se trouvant en mer) nous laisse entrevoir la technique
son centre. impressionniste d’une légèreté aérienne que
Le drame symboliste qui se tisse autour de ce Sibelius allait plus tard mettre en pratique
triangle amoureux, se déroule au Moyen-Age, dans Les Océanides. Cependant sous ces
au sein d’un paysage à mi-chemin entre le eaux tranquilles, un courant menaçant
conscient et l’inconscient, les lieux et les reste caché. “Vid en källa i parken” (Près
personnages s’y trouvant identifiés par des de la fontaine dans le parc) se révèle le
détails et des noms curieux, et le tout dote numéro le plus conventionnel, une valse
l’intrigue de significations profondément délicate. “De trenne blinda systrar” (Les Trois
symboliques (le contraste entre la grotte et la Sœurs aveugles), qui était à l’origine le seul
lumière du jour, Mélisande perdant sa bague mouvement vocal (chanté par Mélisande
dans la fontaine, le royaume d’Allemonde, dans la pièce), est une modeste romance
etc.). archaïque en fa mineur pourvue d’une pédale
La musique de scène comportait à de dominante. Dans la version instrumentale,
l’origine dix numéros pour petit ensemble: ce sont les clarinettes qui viennent remplacer
sept étaient des interludes instrumentaux, la partie vocale originale. La “Pastorale”
deux, des mélodrames et un était un chant. aux accents bucoliques nous entraîne vers
Sibelius réorganisa plus tard la musique des aspects plus sombres de l’intrigue: à
en huit mouvements instrumentaux ce stade, Golaud commence à se douter de
pour former la Suite, op. 46, que nous l’existence d’une relation intime entre sa
connaissons aujourd’hui. Le majestueux femme et son frère, Pelléas. “Mélisande vid
premier mouvement, “Vid slottsporten” (Aux spinnrocken” (Mélisande au rouet) brosse
portes du château), est bien connu des le portrait d’une jeune femme plus mûre et
téléspectateurs de la BBC, car c’est l’indicatif plus consciente de sa destinée qu’elle ne
de The Sky at Night, émission populaire paraît lors de sa présentation au deuxième
durant depuis longtemps, consacrée à mouvement. Un trémolo persistant, exécuté
la science / l’astronomie. La musique du par l’alto, se trouve interrompu par des bois
deuxième mouvement, “Mélisande”, incarne lourds de présages. Le “Mellanaktsmusik”
25(Entracte) est joué avant le début du Le récit de la création du monde à partir d’un
quatrième acte, au cours duquel le drame œuf cosmique est bien connu de tous les
atteint son paroxysme avec le meurtre de anthropologues, car il apparaît dans nombre
Pelléas par Golaud. “Mélisandes död” de cultures. Un milouin est à la recherche
(La Mort de Mélisande), que l’on entend d’un endroit où faire son nid. Ilmatar, la vierge
parfois en rappel dans les concerts, introduit de l’air, lève le genou pour lui offrir un asile, et
la deuxième scène du cinquième et dernier le canard y pond son œuf. La tempête se lève
acte et décrit la tendre vulnérabilité de la et renverse le nid, le précipitant dans l’eau;
jeune mère mourante. l’œuf vole en éclats, et de ses morceaux
naissent le ciel et la terre. C’est sur ce texte
Luonnotar, op. 70 séculaire que Sibelius a écrit une des ses
Il est notoire que, dans sa jeunesse, Sibelius œuvres les plus audacieuses sur le plan
fut absolument fasciné par la mythologie tonal, exigeant à la fois une voix dotée d’une
finnoise, et ceci se manifeste tout puissance dramatique et une oreille d’une
particulièrement dans la symphonie Kullervo, grande sensibilité harmonique. Luonnotar
de 1891 – 1892, œuvre brutale débordant de fut créée en 1913, au Three Choirs Festival de
vigueur masculine. La symphonie est fondée Gloucester, par Aino Ackté, la prima donna
sur des textes et épisodes du Kalevala, finlandaise de l’opéra de Paris et de Covent
l’épopée nationale finnoise, compilée par Garden, qui était également la commanditaire
Elias Lönnrot (1802 – 1884) qui la publia de l’œuvre. De forme sonate libre, Luonnotar
pour la première fois, en 1835, avant d’en débute en faisant entendre un motif en
faire paraître une version très augmentée, fa dièse mineur, en apparence très ancien,
en 1849 (ayant dans l’intervalle également rappelant une mélopée, qui se développe
publié la Kanteletar, en 1840). C’est aussi bientôt pour devenir le second thème, une
dans le Kalevala que Sibelius avait trouvé le complainte dolente en si bémol mineur, tonalité
texte de Luonnotar, œuvre qui fut composée voisine d’une tierce (si bémol = la dièse). Cette
vingt ans plus tard, en 1913: il en prépara mélodie ascendante, caractérisée par des
alors une compilation adaptée à ses besoins. secondes exhalant des soupirs au-dessus
Luonnotar n’est pas le nom d’une créature d’une basse bitonale ondoyante, nous
mythologique particulière, mais un terme rappelle d’assez loin le fatidique “air des
générique désignant un esprit de la nature. cartes” chanté par Carmen dans l’opéra de
26Bizet. Dans la récapitulation, le second thème, Bon nombre étaient basés sur des thèmes
maintenant en sol dièse mineur, introduit mythologiques, provenant soit du Kalevala
l’élément du canard, le thème revenant en (la suite Lemminkäinen, La Fille de Pohjola, ou
douceur à la tonalité d’origine, fa dièse mineur, Luonnotar), soit de sources plus générales
à la dernière minute. L’écriture vocale, qui se (En saga, Pan och Echo, Dryaden, Barden,
détache pleine de virtuosité et en partie sans Les Océanides). Le titre de Tapiola, son dernier
accompagnement, avait déjà été entendue chef d’œuvre, daté de 1926, ne provient pas
dans “Jubal”, op. 35 no 1, chant écrit par d’un personnage du Kalevala, mais dérive du
Sibelius en 1908, mais, dans Luonnotar, son nom du roi de la forêt, Tapio. Sibelius publia
étendue est plus audacieuse et présente plus les vers suivants en tête de la partition:
de difficultés, la partie défiant les limites de Immenses, elles se dressent, les sombres
la tonalité. forêts du Nord,
Séculaires, mystérieuses, couvant des rêves
Tapiola, op. 112 sauvages;
Le poème symphonique semi- En leur sein demeure le puissant dieu de la
programmatique se révéla le genre dans forêt,
lequel Sibelius était en mesure de développer Et dans l’obscurité les esprits des bois
ses motifs musicaux sous une forme plus tissent de magiques secrets.
libre que dans la symphonie. Dans une lettre Sibelius, qui avait dirigé en personne la
adressée à sa femme, après la visite qu’il fit à première exécution de toutes ses symphonies,
Bayreuth, en 1894, il écrivit: avait l’habitude d’apporter des corrections à
En fait, je pense que suis un peintre et un la partition en fonction des impressions qu’il
poète pour l’oreille. Je veux dire par là que avait alors ressenties. Dans le cas de Tapiola,
l’idée que Liszt avait de la musique est la chose ne fut pas possible car la pièce
celle dont je suis le plus proche. orchestrale était une commande de Walter
Concrètement, cette mention de Liszt Damrosch et fut imprimée avant sa première
fait allusion aux formes cycliques et à la interprétation, qui fut dirigée par Damrosch le
transformation thématique, éléments qui 26 décembre 1926, à la New York Symphonic
eurent tous les deux des incidences sur Society. Sibelius ne traversa pas l’Atlantique
l’écriture de Sibelius. Une longue série de pour assister aux répétitions et dut envoyer la
poèmes symphoniques vit ensuite le jour. partition sans avoir pu en évaluer le résultat.
27C’est dans Tapiola, son évocation de conventionnelle, caractérisée par un thème la forêt, que Sibelius réalisa sa technique principal et un second thème contrastant, transformationnelle avec le plus de se trouve ainsi remplacée par la rotation consistance. La vie secrète de la forêt y est continuelle d’idées thématiques. La partition dépeinte avec ses moments sombres et requiert un grand orchestre comportant mornes, ses orages soudains et ses brises piccolo, cor anglais, clarinette basse et enjouées. À partir d’un germe thématique contrebasson, toutefois le pupitre des unique croît une multitude de motifs qui percussions ne compte que des timbales. se trouvent répétés, variés et recyclés. L’auditeur vigilant se délectera à suivre la Nous entendons ce motif initial, simple métamorphose d’une ingéniosité immense que fragment en si mineur, exécuté aux cordes subit ce “germe”, métamorphose qui confère dans les premières mesures, et plus tard, à ce poème symphonique une homogénéité fortissimo, aux trompettes et trombones. vraiment unique. L’atmosphère généralement Dans l’intervalle, il est constamment soumis à majestueuse de la tonalité de si mineur mène à des variations: combinaisons instrumentales un accord final en si majeur, rempli de dignité, différentes, couleurs orchestrales sombres où l’orchestration se révèle un miracle de ou légères, habits harmoniques variés, mesure. versions majeures ou mineures, ainsi que déguisements rythmiques variés, qu’il soit © 2021 Gustav Djupsjöbacka concentré ou augmenté. La forme sonate Traduction: Marianne Fernée-Lidon 28
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